Martin Scorsese sui film Marvel “Ho detto che non sono cinema, ma fatemi spiegare”

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Martin Scorsese

Il regista Martin Scorsese è tornato nuovamente a parlare dei film Marvel in una lunga lettera scritta al New York Times. Di seguito le sue parole:

Quando ero in Inghilterra all’inizio di ottobre, ho rilasciato un’intervista alla rivista Empire. Mi è stata posta una domanda sui film Marvel. Ho risposto dicendo la mia. Ho detto che ho provato a guardarne alcuni e che non fanno per me, che mi sembrano più vicini ai parchi a tema più che a film veri e propri e che alla fine non penso che siano vero cinema cinema.

Alcune persone sembrano aver preso l’ultima parte della mia risposta come offensiva o come prova dell’odio per la Marvel da parte mia. Se qualcuno è intenzionato a prendere le mie parole sotto quella luce, non c’è niente che io possa fare per ostacolarle.

Molti film in franchising sono realizzati da persone di notevole talento e talento artistico. Potete vederlo voi stessi sullo schermo. Il fatto che i film stessi non mi interessino è una questione di gusto personale e temperamento. So che se fossi più giovane, se avessi raggiunto la maturità in un secondo momento, avrei potuto essere eccitato da questi film e forse avrei persino voluto crearne uno da solo. Ma quando sono cresciuto ho sviluppato un senso dei film che era lontano dall’universo Marvel quanto noi sulla Terra siamo lontani da Alpha Centauri.

Ho imparato ad amare e rispettare i cineasti, i miei amici che hanno iniziato a girare film nello stesso periodo in cui l’ho fatto io, il cinema riguardava la rivelazione – rivelazione estetica, emotiva e spirituale. Riguardava i personaggi: la complessità delle persone e la loro natura contraddittoria e talvolta paradossale, il modo in cui possono farsi del male e amarsi l’un l’altro e improvvisamente si trovano faccia a faccia con se stessi.

Si trattava di affrontare l’imprevisto sullo schermo e nella vita che drammatizzava e interpretava e allargava il senso di ciò che era possibile nella forma d’arte.

Quella era la chiave per noi: era una forma d’arte. All’epoca si discusse a tal proposito, quindi ci siamo schierati per il cinema come pari alla letteratura, musica o danza. E abbiamo capito che l’arte poteva essere trovata in molti luoghi diversi e in altrettante forme – in “The Steel Helmet” di Sam Fuller e “Persona” di Ingmar Bergman, in “It’s Always Fair Weather” di Gene Kelly e Stanley Donen e “Scorpio Rising” di Kenneth Anger, in “Vivre Sa Vie” di Jean-Luc Godard e “The Killers” di Don Siegel.

O nei film di Alfred Hitchcock. Ogni nuovo film di Hitchcock era un evento. Essere in una casa piena di gente o in uno dei vecchi teatri a guardare “Rear Window” è stata un’esperienza straordinaria: è stato un evento creato dalla chimica tra il pubblico e il film stesso, ed è stato elettrizzante.

In un certo senso, alcuni film di Hitchcock erano anche dei parchi a tema. Sto pensando a “Strangers on a Train”, in cui il climax si svolge in una giostra in un vero parco di divertimenti, e “Psycho”, che ho visto a uno spettacolo di mezzanotte nel suo giorno di apertura, un’esperienza che non dimenticherò mai. Le persone sono rimaste sorprese ed elettrizzate e non sono state deluse.

Sessanta o settanta anni dopo, stiamo ancora guardando quei film e ci meravigliamo di loro. Ma sono i brividi e gli shock a cui continuiamo a tornare? Io non la penso così. I set di “North by Northwest” sono sorprendenti, ma non sarebbero altro che una successione di composizioni e tagli dinamici ed eleganti senza le emozioni dolorose al centro della storia o l’assoluta perdita del personaggio di Cary Grant.
Il climax di “Strangers on a Train” è un’impresa, ma è l’interazione tra i due personaggi principali e la performance profondamente inquietante di Robert Walker che risuona oggigiorno.

Alcuni sostengono che i film di Hitchcock avevano una somiglianza con loro, e forse è vero anche Hitchcock se l’era chiesto. Ma l’identità delle pellicole in franchising di oggi è un’altra cosa. Molti degli elementi che definiscono il cinema come lo conosco sono presenti nei film della Marvel. Ciò che non c’è è rivelazione, mistero o vero pericolo emotivo. Niente è a rischio. Le pellicole sono realizzate per soddisfare una serie specifica di esigenze e sono progettate come variazioni su un numero finito di temi.

Sono sequel nel nome ma sono rifacimenti nello spirito, e ogni cosa in essi è ufficialmente sanzionata perché non può davvero essere diversamente. Questa è la natura dei franchise cinematografici moderni: ricerche di mercato, testati dal pubblico, verificati, modificati, rivisti e rimodificati fino a quando non sono pronti per il consumo.

Un altro modo di dirlo sarebbe che sono tutto ciò che i film di Paul Thomas Anderson o Claire Denis o Spike Lee o Ari Aster o Kathryn Bigelow o Wes Anderson non sono. Quando guardo un film di uno di quei cineasti, so che vedrò qualcosa di assolutamente nuovo e mi porterò in aree di esperienza inaspettate e forse persino inimitabili. Il mio senso di ciò che è possibile nel raccontare storie con immagini e suoni in movimento verrà ampliato.

Quindi, ti potresti chiedere, qual è il mio problema? Perché non lasciare che siano solo i film sui supereroi e altri film in franchising? Il motivo è semplice. In molti posti in questo paese e in tutto il mondo, i film in franchising sono ora la scelta principale se si vuole vedere qualcosa sul grande schermo. È un momento pericoloso della storia del cinema e ci sono meno cinema indipendenti che mai. L’equazione è stata capovolta e lo streaming è diventato il sistema di consegna principale. Tuttavia, non conosco un singolo regista che non vuole progettare film per il grande schermo, da proiettare davanti al pubblico nei cinema.

Ciò include me e sto parlando come qualcuno che ha appena completato un film per Netflix che ci ha permesso di rendere “The Irishman” come lo volevamo, e per questo sarò sempre grato. Abbiamo una finestra teatrale, che è grandiosa. Vorrei che il film venisse riprodotto su più schermi di grandi dimensioni per periodi di tempo più lunghi? Certo che lo vorrei. Ma non importa con chi realizzi il tuo film, il fatto è che gli schermi nella maggior parte dei multiplex sono affollati da film in franchising.

E se mi dirai che è semplicemente una questione di domanda e offerta e di dare alle persone ciò che vogliono, non sono d’accordo. Se le persone ricevono solo un tipo di cose e vendono all’infinito solo un tipo di cose, ovviamente vorranno più di quel tipo di cose.

Ma, potresti dire, non possono semplicemente andare a casa e guardare qualsiasi altra cosa vogliono su Netflix, iTunes o Hulu? Certo, ovunque ma non sul grande schermo, dove il regista voleva che fosse vista la sua opera.

Negli ultimi 20 anni, come tutti sappiamo, il mondo del cinema è cambiato su tutti i fronti. Ma il cambiamento più inquietante è avvenuto di soppiatto e sotto copertura della notte. Molti film oggi sono prodotti perfetti fabbricati per un consumo immediato. Molti di loro sono ben realizzati da team di individui di talento. Tuttavia, mancano di qualcosa di essenziale per il cinema: la visione unificante di un singolo artista. Perché, ovviamente, il singolo artista è il fattore più rischioso di tutti.

Non sto certamente insinuando che i film dovrebbero essere una forma d’arte sovvenzionata, o che lo siano mai stati. Quando il sistema dello studio di Hollywood era ancora vivo e vegeto, la tensione tra gli artisti e le persone che gestivano il business era costante e intensa, ma era una tensione produttiva che ci ha dato alcuni dei più grandi film mai realizzati – nelle parole di Bob Dylan, i migliori erano “eroici e visionari”.

Oggi questa tensione è scomparsa, e ce ne sono alcuni nel settore con assoluta indifferenza verso la vera questione dell’arte e un atteggiamento nei confronti della storia del cinema che è allo stesso tempo sprezzante, una combinazione letale. La situazione, purtroppo, è che ora abbiamo due campi separati: c’è l’intrattenimento audiovisivo in tutto il mondo e c’è il cinema. Di tanto in tanto si sovrappongono, ma sta diventando sempre più raro. E temo che il dominio finanziario dell’uno venga utilizzato per emarginare e persino sminuire l’esistenza dell’altro.

Per chi sogna di fare film o ha appena iniziato, la situazione in questo momento è brutale e inospitale per l’arte. E questa cosa mi rattrista e spaventa terribilmente.

Fonte: NYTimes